語りすぎない技術

2017年1月27日 (金)

俳句と写真

前回のラルフ・ギブソンの記事に関して、ツイッターを経由して読者の方からこのような質問をいただいた。「想いは写ると思いますか?」

私の答えは「実体がないものは写らないと思います。解釈によって推定されることはあるかもしれません」。

想いというものは、「物体」として目の前に存在していない。だから写真に写ることはない。写真には実体のあるものだけが写るという、きわめてシンプルな理由。

だが、見る人が、その2次元のイメージとして写し取られた3次元の物体の並びを見て、想いが写っているように見えると解釈するかもしれないし、しないかもしれない。そういうことだと思っている(私見)。

もっとも、一説によると人間に見えるのは実際に存在するものの4%程度らしいので、もしかすると見えていないだけで想いにも実体があるのかもしれない。

ところで先日、カロタイプで行われた橋本有史先生による「写真家のための俳句入門」を受講した。久々の「教わる側」。非常に有意義だった。

その後半で、実際の句会を体験した。そこでは講師も含めた全員の句が匿名で扱われ、それにたいして全員が票を入れる。橋本先生曰く、有名な先生の句が総スカンを喰らったり、けっちょんけちょんに言われることもあるという。

最後に選者がなぜそれを選んだかを、解釈も含めて述べる。作者が語る前に選者が自由に解釈する。

写真では反対に、作者がその解釈を先に説明をすることが多い。それは写真が、いつどこでだれがなにを撮ったかという記録性のある媒体であることとも関係するのだろうが、ときに、作者が見る人に解釈を押し付けようとしたり、逆に見る人が作者に自分の見方を押し付けようとしたりする場に出くわすことがある。

また俳句では、その制限された文字数も手伝って、説明的な言葉、回りくどい言い回し、常套句などが敬遠される。俳句でも、実在するものの描写が重視される。想いは実体のないものとして扱われ、解釈に委ねられる。

俳句のこのようなありかたは、写真においても有効なのではないか。それはまさに、先日からここで書いている、「語りすぎない技術」のひとつである。

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2017年1月25日 (水)

ラルフ・ギブソンの考える個性

昨日の記事で、ラルフ・ギブソンにとっての写真は、被写体ではなく、ものの見方であるということに触れた。

そのラルフ・ギブソンがTEDで、「デジタル時代のビジュアル・アイデンティティ」という内容で話している。ビジュアル・アイデンティティという聞き慣れない言葉は、「その人にしか撮れない写真」と意訳できるだろう。

デジタルカメラの普及で誰でも写真が撮れるようになっている、しかしソフトウェアのせいで、誰がとっても同じように見える。そのなかで、その人にしか撮れない写真というのはなにか、という内容だ。

彼は、1枚の写真を撮るのに3つの要素があると言っている。それは「どのように撮るか、何を撮るか、どこにカメラを構えるか」。

その3番目の「どこにカメラを構えるか」に、個性があるというのだ。昨日の投稿と共通する内容である。

「どの偉大な写真家の作品を見ても、その人の『視覚的署名』があるのがすぐわかる。カルティエ=ブレッソンやロバート・フランクの写真は、解説を読まなくても、駐車場の反対側から見てもわかる。

ではこの『視覚的署名』はどうやって形成されるのか。いくつかの可能性がある。眼科の専門家によれば、眼球には指先や性器より多くの神経が通っている。眼球は自己モニター可能な部位で、その後ろにある脳が実際に処理するよりも多くのものを見ることができる。」

「視覚的署名」というのは、西洋にはその人本人であることを証明するサインという慣習があるが、その写真版のことである。偉大な写真家の作品には「写真のなかにその人のサインが書いてある」ということ。そして、その署名は、写真家(の眼球)がものをどう見ているか、によって書かれるというのだ。

日本では、個性を作品に出そうとすると、その人の「想い」を投影しようとする人が多いように思う。しかし、ラルフ・ギブソンは、「眼球がどう見ているかに個性が出る(意訳)」と言っているのだ。

余談だが、面白いのは、日本と西洋の文字にたいする考え方の違い。日本では「習字」などを通して、美しいとされている文字を誰もが同じように書けることを目指すのに対し、西洋では、文字にはその人の個性が出るから、個人を識別するために文字を書く(サインする)のである。

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2017年1月24日 (火)

ラルフ・ギブソンにとって大切なもの

「語りすぎない技術(art of understatement)」を用いている写真家と言えば、ラルフ・ギブソンがその一人だ。

彼はいろんなところで写真の「抽象化」について話している。だが、ボカしたり、曖昧にすることなく、写るものをむしろシャープに描き切る。

抽象的な印象を見る者に与えるのは、被写体の選び方、フレーミング、そしてコントラストにおいて、語りすぎない写真をつくっているからだろう。以下のビデオでは、そのヒントになるようなことを語っている。

「私は常に『なんでもないもの』の写真を撮りたいと思っている。すごいシャッターチャンスを待つわけでもない。驚きもない。私が撮りたいのは、私の『認識行為』が映り込んでいる写真。被写体はあくまで中身(コンテンツ)をサポートするためのもの。私にとっての写真とは、中身であり、被写体ではない。」

言葉を補えば、ここで言う「中身」とは、彼の認識行為、つまり「ものの見方」のことだろう。自身がどう世界を見ているかが彼の写真には大切なのであって、何が写っているかは関係ないということだ。

被写体が主役の写真では、その被写体が何であるかを伝えるために、どうしても作者は「語りがち」になるが、中身が主役の写真では、ちょっとちがう。

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2017年1月23日 (月)

アルヴォ・ペルトの語り口

昨日の記事で述べたオーラヴル・アルナルズの「語りすぎない技術」。彼は20代でそれを学んだそうだが、私の20代を振り返ってみると、技術的に不器用だったせいもあって、むしろどうやったらもっとたくさん語れるかを懸命に考えていたように思う。

同じ語りすぎない作風でも、「言いたいことはたくさんあるが削り落としている」のと、「たくさん語っているつもりなのに語れていない」のとでは、中身(とその密度)がずいぶん違う。

その意味では、初めから言葉少ない作家でやり続けるより、キャリアのなかのある時期に、自分がどこまで饒舌になれるか、徹底的に語れるところまで語ってみるのは、作家にとって望ましいことだと思う。

例えば、アルヴォ・ペルト。2つの代表作で音数がずいぶん違う。

上の「タブラ・ラサ」は、とくに後半、大胆かつ緻密なオーケストレーションになる。ペルトの楽曲のなかで最も音数が多いもののひとつ。

下の「鏡の中の鏡」は、非常にミニマル。

これだけの少ない音数(しかも調もいたって平凡)で聴く者を惹き付ける力学は、どこから生まれるのだろう。私の永年のテーマである。

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2017年1月22日 (日)

語りすぎない技術

私の好きな音楽家の一人に、アイスランドの若い作曲家・ピアニスト、オーラヴル・アルナルズ(Olafur Arnalds 英語読みでオラファー・アーノルズなどと呼ばれることも多い)がいる。そのシンプルで透き通るような曲調で世界中にファンがいる。アコースティックとテクノのバランスもいい。


そんな彼の「20代で学んだ5つのこと」と題するインタビュー記事(英語)がある。

その「作曲について」のところで、「語りすぎない技術(art of understatement)」ということを言っている。

「(20代では)語りすぎない技術を学んだと思います。昨日デビュー10周年記念にファーストアルバムを再リリースしようかという話になりました。30歳になる年でもあるので。でも、聴き返すのがちょっと怖いんです。もう何年も聴いていないですから。当時を振り返ってみると、大きいことを表現したいときは大きい音楽にして、悲しいものをつくりたいときは琴線に訴えるようなことをやっていました。でも、今ならそこまで言い切らないようにやるでしょう。こっちのほうがむずかしいんですが、うまくいったときはよりパワフルになります。

プロデューサーの仕事でもそうでした。今はもうあんまりやってないんですが、以前はいろんなアーティストのレコードをプロデュースしてました。あるとき、バンドの名前は伏せますが、そのレコードでの僕のプロデューサーとしての仕事は、ミュージシャンに『演奏しないように言うこと』に尽きました。そのアルバムで僕がやったことと言えば、9割がそれ。はじめはすべての曲ですべての演奏家が演奏していたので、音楽がいっぱいいっぱいで緩急がない。なので僕が『じゃあこの曲ではあなた1人。ほかの皆さんはお休み。この曲はこの二人。ほかの人たちはお休み。ああでも7人もいるのか〜』と。彼らにとってはしんどかったと思います。」

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